Daniel Buren

1960

Graduation from the Ecole Nationale Supérieure des Métiers d'Art in Paris

AWARDS

2007 Praemium Imperiale (Painting)

1986 Golden Lion

2013

Being Curated: Exhibiting Exhibitions, Frieze

Function of the Museum, in Theories of Contemporary Art (Prentice Hall, Inc: 1985), 189-190.

1979

The Function of the Studio, Cambridge, n° 10, p. 51-58

1973

The function of an exhibition, Studio International, vol. 186, n° 961, p. 216.

1970

It Rains, It Snows, It Paints, in Arts Magazine, New York, vol. 44, n° 6, avril 1970, p. 43.

1969

Beware! (Mise en garde!), Konzeption/Conception, translated by Charles Harrison and Peter Townsend (Leverkusen: Stadtischer Museum, 1969)

SOLO SHOWS CATALOGUES

2005

The Eye of the Storm, The Solomon R. Guggenheim Museum, New York

2003

TRANSITIONS, works in situ, Toyota, Japon, Toyota Municipal Museum of Art, 40 P.

GROUP SHOWS CATALOGUES

2004

11. Bijenale Vizuelnih Umetnsti Vrednosti / 11me Biennale des Arts Visuels Valeurs / 11th Bienal of Visual Arts Values, Pancevo, Serbie, Galerija Savremene Umetnosti / Galerie de l'Art contemporain / Gallery of Contemporary Art

FAZ.net Frankfurter Allgemeine, 2.9.2010
Swantje Karich
Synagoge Stommeln. Der Stern hinter den Spiegeln

Santiago Sierra verwandelte vor vier Jahren die Synagoge von Stommeln in eine Gaskammer. Der französische Künstler Daniel Buren geht mit dem Austellungsraum zärtlicher um - er zaubert ein Farbenmeer in das Mahnmal. Die Kraft der Spiegel macht aus dem kleinen Raum der Synagoge ein eine weitläufige KathedraleDie Kraft der Spiegel macht aus dem kleinen Raum der Synagoge ein eine weitläufige Kathedrale

Die kleine Synagoge liegt mitten in der Provinz. An der Hauptstraße von Pulheim-Stommeln. Einige Kilometer entfernt von Köln. Im Hinterhof eines Blumenladens schmiegt sich das Backsteingebäude an die benachbarte Häuserwand. Ein idyllischer Ort. Unübersehbar aber ist das Gebäude markiert und erzählt, was hier einmal geschah. Der Davidstern im Giebel bestimmt die Funktion als jüdisches Gotteshaus. In seinem Innern erinnert jedoch nur noch eine Empore und ein Toraschrein an die Vergangenheit, als hier noch eine sehr übersichtliche, aber lebendige Gemeinde ihren Glauben leben konnte, bevor sie von den Nationalsozialisten ermordet und vertrieben wurde. Der Hallenbau vom Ende des neunzehnten Jahrhunderts misst nur rund sechs mal sechs Meter.

Seit 1991 ist dieser Ort schon Mahnmal und Ausstellungshaus für zeitgenössische Kunst. Vor zwanzig Jahren wurde die Idee geboren. Einmal im Jahr wird seither ein Künstler gebeten, sich der Herausforderung zu stellen. Die Liste ist prominent: Carl Andre, Richard Serra oder Georg Baselitz. Für die meisten von ihnen drängte sich die Auseinandersetzung mit dem Davidstern auf. Jannis Kounellis machte den Anfang. Auch Richard Serra nahm das gleichschenklige Dreieck auf, in dem er zwei einander spiegelbildlich zugeordnete Winkel aufstellte. Jeder der beiden Winkel braucht den anderen, um aufrecht zu stehen.

Der Kitzel erschien vielen reizvoller als das pietätvolle Gedenken

Der Streifenkünstler Daniel Buren bleibt sich auch beim Kunstprojekt “Synagoge Stommeln“ in Pulheim bei Köln treuDer Streifenkünstler Daniel Buren bleibt sich auch beim Kunstprojekt "Synagoge Stommeln" in Pulheim bei Köln treu

Mischa Kuball verschloss die Synagoge für die Besucher. Im Innern brannte ein helles Licht, dass durch die Fenster leuchtete. Vor vier Jahren sorgte Santiago Sierra dann für einen Skandal, als er Autoabgase in das Gebäude leitete und die Besucher mit Gasmasken hineingehen ließ. Niemals hätten sie damals damit gerechnet, dass die Leute das Haus wirklich betreten würden, sagt Angelika Schallenberg von der Kulturabteilung in Pulheim heute, sie hätten davor gewarnt. Doch der Kitzel erschien vielen reizvoller als das pietätvolle Gedenken. Eine nicht unerhebliche Lehre und ein neues Erbe, das sich eingeschrieben hat in den Umgang der Künstler nach ihm. Die Büchse der Pandora wurde nicht mehr geöffnet.

Die Synagoge transportiert nun trotzdem eine neuere Geschichte, sie reicht nicht mehr nur bis 1945; jeder Künstler fügt ihr jedes Jahr einen neuen Mosaikstein hinzu. Real weiter wirken kann in Stommeln jedoch nur ein einziges Werk, nämlich der Beitrag von Max Neuhaus von 2007. Er blieb erhalten, weil sein „Time Piece“ auf dem nahegelegenen Ortsplatz installiert ist: Dort erklingt nun jeden Tag ein dumpfer Brummton im strengen Intervall, erst leise und dann immer lauter, bis er plötzlich abbricht. Die Einteilung entspricht der Zeit zwischen Sonnenaufgang und Sonnenuntergang in zwölf rituellen Stunden, Zmanim, wie es das jüdische Gesetz es vorsieht. Da sich die Zeitpunkte das Jahr hindurch verschieben, weichen auch die Zeiten, in denen der Ton zu hören ist, von der allgemeinen Uhrzeit ab.

Den Sinn für die kleinen Eingriffe nicht verloren

Die Klang-Installation drückt Respekt aus vor den Opfern der Schoa. Diese Achtung ist auch dem französischen Künstler Daniel Buren wichtig. Er ist in diesem Jahr Gast in Stommeln: mit „Multiplikationen“. Buren hebt die Tragödie nicht hervor, indem er der Synagoge etwas hinzufügt, wie zum Beispiel Santiago Sierra, sondern indem er die letzten Spuren markiert: Er hat den Raum durch Spiegelwände an zwei Seiten ins Unendliche anwachsen lassen. Die architektonische Vorgabe der Kirchenfenster mit Davidstern und leuchtend roter Einrahmung reihen sich wie in einer prächtigen, weitläufigen Hallenkirche aneinander. Hinzugefügt hat Buren nur eine formale Wiederholung des Sterns durch Klebefolie.

Daniel Buren wurde in den sechziger Jahren bekannt durch radikale Setzungen und durch die Befreiung der Kunst aus dem Museum: Gemeinsam mit Olivier Mosset, Michel Parmentier und Niele Toroni reduzierte er die Malerei auf ihre geometrischen Grundstrukturen. Heute ist Daniel Buren schon längst wieder museal geworden. Das Neue Museum in Nürnberg hat ihm im vergangenen Jahr eine große Ausstellung gewidmet, im November folgt eine umfangreiche Retrospektive in Baden-Baden. Doch Buren hat den Sinn für die kleinen Eingriffe nicht verloren.

Die Streifen fehlen auch in Stommeln nicht

Seine Sache ist es nicht, sich unmittelbar mit der Schoa zu beschäftigen. Aber er hat das architektonische Erbe erkannt. Der Besucher sieht sich im Spiegel, umgeben von jüdischer Symbolik. In der Tiefe der Spiegelung zeigt sich schließlich die Zerbrechlichkeit dieses so erhaben erscheinenden Moments - dort zersplittern die roten Sterne. Doch wo finden wir seine berühmten Streifen? Sein „visuelles Werkzeug“ bestand seit 1966 aus Streifen, jeweils 8,7 Zentimeter breit, abwechselnd weiß und farbig, also der vertraute Markisenstoff. Jede künstlerische Handschrift wurde vermieden.

Seine Streifen hat er auch in Stommeln ganz präzise eingesetzt: Die erdbraunen Rahmen der Fenster sind beklebt. Sie unterbrechen die reine Vervielfältigungsmaschine. So markiert er den Spiegeltraum vom Wiedererstarken einer zerstörten Kultur als realer Architektur und schützt sich vor dem Kitschverdacht.

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art. Das Kunstmagazin online, 30.08.2010
Michael Kohler 
"AUF DER STRASSE WIRD KUNST ERST RICHTIG ÜBERWÄLTIGEND"

Am Anfang seiner Karriere rebellierte Daniel Buren gegen die Regeln des Kunstsystems, indem er Streifen malte, die so ähnlich in jedem Einrichtungsgeschäft zu sehen waren. Mittlerweile gehört der 72-Jährige zu den höchstdekorierten zeitgenössischen Künstlern. Er gewann den Goldenen Löwen von Venedig und wurde 2007 mit dem Praemium Imperiale ausgezeichnet. art sprach mit ihm anlässlich seiner Ausstellung in der Synagoge Stommeln.

Herr Buren, mit ihren Streifenbilden wollten Sie anonyme Kunstwerke schaffen. Stattdessen wurden die Streifen ihr Markenzeichen. Haben Sie das vorausgesehen?

Daniel Buren: Ich habe damit schon deswegen nicht gerechnet, weil ich die Streifen am Anfang in einer ganz anderen Manier benutzt habe als heute. Das hat sich Schritt für Schritt entwickelt, auch wenn es von Außen immer gleich aussieht.

Aber es ist schon eine paradoxe Situation.

DB: Stimmt. Es ist paradox und ein bisschen lächerlich, dass diese Industriestreifen jetzt wie eine Signatur gesehen werden. Aber es eröffnet mir viele Möglichkeiten, damit zu spielen. Ganz gleich wie unterschiedlich meine Werke sind, mit den Streifen kann ich immer eine Verbindung zwischen ihnen herstellen. Dieser Wiedererkennungswert ist sehr praktisch, weil er das Publikum wie ein Signal ohne Umwege erreicht. Und wenn Leute mit dieser "Signatur" ein Problem haben, müssten sie ein Problem mit der gesamten Kunstgeschichte haben. Was bedeuten die Namen Picasso, Renoir oder Mondrian? Alle Maler haben ihren Werken auf die eine oder andere Weise ihren Stempel aufgedrückt.

Haben Sie die Streifen auch als Herausforderung begriffen, in einem sehr schmalen Rahmen immer neue Dinge zu schaffen?

DB: Es ist eine sehr interessante und sehr drastische Regel. Inmitten von tausenden sich ständig verändernden visuellen Signalen bleiben die Streifen immer gleich. Sie wiederholen sich ständig und bilden einen Widerspruch gegen die Welt. Für mich sind die Streifen ein visuelles Werkzeug. Man kann es auf unterschiedliche Weise benutzen: als Signal, als Mittel der Erinnerung oder als Instrument, um die Ausmaße eines Raums zu messen.

In die Synagoge Stommeln haben sie zusätzlich zwei Spiegelwände eingebaut.

DB: Mit den einander gegenüberliegenden Spiegeln konnte ich den extrem schmalen Raum der Synagoge erweitern. Außerdem wird dadurch viel mehr Licht in die für gewöhnlich sehr düstere Synagoge geworfen. Dadurch entsteht beinahe ein völlig neuer Raum. Ein Raum, der sich in Richtung Unendlichkeit multipliziert.

Sie versuchen oft, die Wahrnehmung eines Raums zu verändern. Was haben Sie in der zum Ausstellungsraum umgewidmeten Synagoge gesehen?

DB: Die Synagoge ist in besonderer Weise durch den Dekor und ihre vier Fenster geprägt. Am Anfang war ich von diesem starken Eindruck etwas eingeschüchtert, denn es ist gar nicht so einfach, sich dagegen durchzusetzen. Alles ist im Grunde schon da, weshalb ich vor allem die vorhandenen Elemente aufgenommen und weitergeführt habe. Die Spiegel vervielfältigen den Innenraum, und meine hinzugefügten Elemente spiegeln das Vorhandene. Es ist ein doppeltes Spiel mit der Idee der Reflexion.

Sie arbeiten häufig in öffentlichen Räumen. Was finden Sie hier, was Sie in einem Museum nicht finden?

DB: Es gibt einen fundamentalen Unterschied zwischen der Straße und dem Museum. Sie können nicht einfach ein Kunstwerk aus dem Museum nehmen und auf einen öffentlichen Platz stellen. Für draußen muss man etwas Eigenständiges schaffen, etwas, das wirklich mit dem Leben auf der Straße in Beziehung tritt. Dazu kommen die Umwelteinflüsse, die das Werk sowohl in metaphorischer Hinsicht als auch buchstäblich zerstören können. In Museen und Galerien arbeitet man nur mit Spezialisten, die völlig von ihrer Arbeit überzeugt sind. Auf der Straße ist es ein regelrechter Kampf. In der Regel muss man sich erst einem Wettbewerb stellen, und selbst wenn man gewinnt, heißt das nicht unbedingt, dass man sein Kunstwerk auch wie geplant realisieren darf. Ich hatte einige Male große Probleme, aber das macht es für mich gerade interessant. Selbst die besten Arbeiten in einem Museum werden deutlich weniger intensiv wahrgenommen als die besten – oder die schlechtesten – Arbeiten draußen in der Stadt. Der Eindruck, den ein gelungenes Werk im öffentlichen Raum hinterlässt, ist zehnmal stärker und lebendiger. Auf der Straße wird Kunst erst richtig überwältigend.

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FOCUS online, 29.8.2010
Daniel Buren schafft Kunstwerk für Synagoge

dpa / Daniel Buren hat eine eindrucksvolle Spiegelinstallation geschaffen. Kunst überwindet schwierige Grenzen: Der französische „Streifenkünstler“ Daniel Buren hat für das internationale Kunstprojekt „Synagoge Stommeln“ in Pulheim bei Köln eine eindrucksvolle Spiegelinstallation geschaffen. Die Arbeit mit dem Titel „Multiplikationen“ ist seit dem 29. August bis zum 19. Dezember in der ehemaligen Dorfsynagoge zu sehen.

Der 72-jährige Buren hat zwei gegenüberliegende Wände in dem kleinen, quadratischen Raum komplett mit Spiegeln verkleidet, so dass sich der Raum mit seinen hohen Fenstern, dem Toraschrein und der Frauenempore ins Unendliche zu vervielfachen scheint. Zugleich hat Buren die rote Glasmalerei in den halbrunden Fenstern mit roter Folie ebenfalls gespiegelt, so dass vollendete Kreise entstehen.

Auch auf sein „visuelles Werkzeug“, die immer exakt 8,7 Zentimeter breiten Streifen, hat der Künstler nicht verzichtet. Auf das braun gemalte Band, das die sichtbar gebliebenen Wände teilt, klebte er weiße Streifen.

In der international bekannten Kunstreihe in der ehemaligen Dorfsynagoge Stommeln, die 1938 nicht von den Nazis niedergebrannt worden war, stellen seit fast 20 Jahren namhafte Künstler aus. Dazu gehören Richard Serra, Eduardo Chillida oder Rosemarie Trockel. Für weltweites Aufsehen hatte 2006 Santiago Sierra gesorgt, der Autoabgase in das ehemalige jüdische Gotteshaus leitete.

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Kölner Stadtanzeiger, 29.8.2010
Ulla Jürgensonn
Die Grenzen des Sehens aufgehoben

Noch nie war die ehemalige Stommelner Synagoge so groß. Endlos groß. In weiter Ferne verliert sich die Fensterreihe, in weiter Ferne verliert sich auch das Bild des Betrachters. Ein faszinierendes Verwirrspiel hat der Künstler Daniel Buren geschaffen, als er die Wände der Stommelner Synagoge verspiegelte.

Pulheim-Stommeln - Daniel Buren hat den Raum verspiegelt - und damit einen faszinierenden Effekt erzielt. „Multiplikationen“ nennt der Künstler seinen Beitrag zum Synagogenprojekt. Seit 20 Jahren legt die Stadt Pulheim das Projekt alljährlich auf: Renommierte Künstler gestalten für einen gewissen Zeitraum das alte jüdische Gebetshaus. Dafür gab es bei der Eröffnung von Burens Beitrag viel Lob von Prof. Dr. Gudrun Inboden, der Direktorin der Staatsgalerie Stuttgart: Angelika Schallenberg, der Leiterin der der Pulheimer Kulturabteilung, sei zu verdanken, dass Stommeln von der Landkarte der wichtigen Ausstellungsorte nicht mehr wegzudenken sei.

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Vernissage TV, January 2008
Daniel Buren: New Works / Konrad Fischer Gallery, Düsseldorf

vernissage.tv/blog/index.php

For more than 30 years the French artist Daniel Buren established a “visual vocabulary” of uniform 8.7 cm wide colored and white stripes as being the central features of his conceptual works and site specific installations in public space and in numerous art institutions. At Konrad Fischer Gallery Daniel Buren introduces new works including large-format wall installations based on polyangular forms and mirrors. The show runs from January 25 until March 1, 2008. In the interview our correspondent Thom de Bock spoke with Daniel Buren about the development of his work.
PS: In 2007 Daniel Buren received the Praemium Imperiale art award.


Daniel Buren
ARTFORUM , Dec, 2002 by Rosalind E. Krauss
CENTRE GEORGES POMPIDOU, PARIS

From the opening salvo of his mammoth exhibition "Le Musee qui n'existait pas" at the Centre Georges Pompidou--a giant square of red-and-white-striped canvas hung in the entry forum--one had the feeling that, unlike the Museum that hadn't existed, this is the Daniel Buren that always was. Not only were the artist's signature stripes everywhere to be seen, reflected by a seeming infinity of mirrors on walls and ceilings, but the "cabane eclatee" (exploded shack), Buren's anti-architectural ploy, was the material support for the parodic museum. A labyrinthine network of shantylike cubicles, all exposed studs, was made to fill the top floor of the Pompidou, each either containing a small construction--looking like a piece of de Stijl furniture--or bearing a sequence of projected images on its interior walls. However, once one reached the far corner of the labyrinth and a cube punctuated by a beige-and-white-striped trellis--the little diamond-shaped interstices between the lattice ribs having been cut out and pa sted to the side walls in a pattern of light and shade, with solid lozenges sprinkled against a luminous ground--the nickel dropped. Luminosity was, indeed, the theme of this room, in a clever takeoff on Vuillard, or for that matter any other Nabi painter.

It was with this association that one realized the labyrinth was itself a riff on the modern museum as a sequence of little one-man shows, each providing a separate cell and each giving onto the next. The opening "room," a set of brightly colored wedge-shaped wooden slabs, mimed an Ellsworth Kelly, while the colored walls of some of the other cubes produced a halo that seemed to announce the presence of Dan Flavin. In still another cube, colored circles projected on the walls sent up Robert Mangold, and throughout, Buren's own signature stripes made reference to the general theme of Constructivism. In one moment of humor there was even a play on decollege--a set of graffiti-covered plywood panels lifted from the protests against Les Deux Plateaux, 1985-86, Buren's sculptural intervention in the vaunted courtyard of the Palais-Royal.

It undoubtedly struck the observer as peculiar that, given the opportunity for a retrospective exhibition--the dream of virtually every artist--Buren would withdraw in favor of the presentation of the core images of other artists. This was indeed an aspect of Buren's famous generosity. For example, in 1974, in the context of "PROJEKT 74" at Cologne's Wallraf-Richartz-Museum, there was an attempt to censor Hans Haacke's work charting the fate of Manet's Bunch of Asparagus, 1880, from the French artist's studio through the work's acquisition by Jewish collectors and artists to its eventual purchase in 1968 by the Wallraf-Richartz-Kuratorium (the addition spearheaded by Hermann J. Abs, whose role as a prominent banker in the Nazi era was also documented). For his contribution, Buren reacted by stealthily installing the panels that make up Haacke's work on top of his own striped patches of wall, in effect ceding his position within the show to Haacke.

There is nothing Buren appears to enjoy more than entering into such collaborative efforts. On July 5, the Paris daily Liberation issued a special number of the newspaper merrily striped in green and white with the centerfold a series of four striped columns each ending in a photo of the artist himself staring ferociously outward, arms akimbo. From the sly attack on Liberation to the Palais-Royal intervention, Buren's collaborative bent jibes with developments in official French arts policy. In the '80s, Jacques Lang, the first minister of culture for the Socialist government, made the collaboration between contemporary art and historical monuments, including Buren's Les Deux Plateaux, an important part of his cultural policy. Even though this project triggered protest, the convictions that led to its commission seem unshaken and widely shared by the French: that art is and should be everywhere, a right of every man and woman on the street, and is not to be incarcerated within museums. (Mayor Bertrand Delanoe inaugurated the city-sponsored "Paris Plage" this summer, dumping tons of sand and installing potted palms to create an ersatz Riviera. Cars were banned from the streets along the sides of the quais, leaving the Seine to strollers, bicyclers, skaters, and, yes, sunbathers. One imagines the intervention would have been replete with stripes, had Buren thought of it first.)

In Buren's Pompidou gesture, the museum is a dizzying encyclopedic collection, nothing omitted but nothing explained. This is also the museum as a place that discourages reflection on any single work but simply pressures the spectator to continue, to follow out the historical narrative from beginning to end. This is the museum as it exists now, and Buren clearly views it with considerable contempt, even though it has not only generously commissioned and housed his expensive work but has also published a monumental if at times baffling 576-page catalogue. Indeed, the layout of the cubicles, which produced what Buren calls the exhibition's dispositif (operational device), resembled less the galleries of a museum than the interconnected booths at an art fair. In this purposeful confusion Buren engendered yet one more metaphor of the culture industry: the museum removed from the notion of art as the realm of disinterest, and thus a place of retreat from a life of instrumentalized striving, and instead turned into just another competitive marketplace.